¡Oh my Dios!

¡Alucina! Sí. Alucinar, o sea, divagar, creerse, imaginarse. Supongamos que las familias de la clase alta limeña se alucinan dioses, así con minúscula. Supongamos que en este delirio, el olimpo de estos dioses es una casa de playa, lejos de lima gris, frente al mar azulito.

En 'Dioses' de Josué Méndez, esa sacra casa de playa es el escenario que resume perfectamente a la 'gentita'. La casa de plata ocupa toda la película. Sus personajes se mueven en ella, la deidad mayor Agustín (Edgar Saba), es el Cronos que se cita en algún momento de la cinta, es decir, el dios que quiere 'comerse' a sus hijos, atraparlos en el mundo de la pituquería.

Pero estos hijos se sienten vacíos, cada uno batalla contra su propio ser. Andrea (Anahí de Cárdenas), quiere salir del olimpo, y la forma más fácil de salir en mediante la juerga, la música electrónica y una buena dosis de sexo con quien se presente en el camino. Diego (Sergio Gjurinovic), el otro hermano, también quiere salir, pero es débil, no puede alejarse de su mundo si no es con su hermana. Sí, para Diego Andrea es su salvación, pero el chico es un adolescente y sus deseos de mortalizarse se mezclan con el deseo más terrenal: el sexo. Andrea se convierte en un fetiche. Diego la lame, la manosea, le desabrocha el sostén y se toca, aprovechando que su hermana está totalmente ebria o dopada. Cuando Diego siente asco por sí mismo y ve que le escape a trávés de su hermana no funciona, corre hacia la servidumbre.

Pero mientras ellos quieren salir, Elisa (Maricielo Effio) quiere entrar a ese mundito. Ensaya, lee cualquier libro que las viejas pitucas puedan citar, se informa de plantas exoticas solo para encajar. Al final logra su ascenso, su boda en París, gracias al descuido de Andrea, quien sale embarazada de un anónimo y este hijo se hará pasar por el de Elisa.

La intención de Méndez es buena. Las películas sudamericanas muestran la marginalidad y el quería mostrar la otra cara. Pero es pura intención. Las huachaferías y frivolidades que se muestran en la cinta quieren hacer reír, pero a veces pasan desapercibidas, siendo la úncia escena cumbre de la película el ensayo de Maricielo Effio ante un espejo para hablar como una pituca. Si lo que 'Dioses' quería era simplemente mostrar a la altra clase limeña, lo consigue. Pero sólo eso. La muestra y punto. Se burla a veces, pero poco.

Hay quizá otra intención del director: La de que la pituquería genere asco. pero parece que no encontró realmente repugnante y por eso incluyó lo de las escenas incestuosas entre Diego y Andrea.

Al final, nadie se escapa. Andrea huye a Miami y Diego se transformó en el chico bien de saco y corbata. Pero, él, Diego, logra por un momento besar otro olimpo. Sí. El templo, la cima de los ricos es la casa de playa. El olimpo de los pobres es el cerro. Esos sosn los dos 'cielos' que se muestran. Se muestran y punto. No es ta mal, pero eso hace que 'Dioses' se convierta sólo en un vistazo, en una ventana cerrada pero con un vidrio reluciente. El arribismo de Elisa debió ser más explotado y no recurrir a la exaltación fácil que puede generar un niño enamorado de su hermana.

(Christian Reto)

Juntos pero también revueltos

El XX Festival de Cine Europeo llegó a su fin una vez más. Entre lo que nos dejó puedo citar 3 películas que me di el tiempo de ver. “UNA FAMILIA FELIZ” de Holanda (que la comenté anteriormente), “BOTELLAS RETORNABLES” de República Checa y “JUNTOS” de Suecia.

Es ésta última una de las mejor logradas, no desmereciendo las anteriores. Y es que “JUNTOS” (TILLSAMMANS) del director Lukas Moodysson usa un lenguaje sencillo y efectivo. La película se sitúa en Suecia en los años 70’s. Elisabeth un ama de casa de clase media, golpeada constantemente por su esposo alcohólico Rolf, decide irse con sus pequeños hijos a vivir con su hermano Göran, quien vive en una comunidad hippie en una pequeña casa.

Al llegar Elisabeth y sus hijos Eva y Stefan lo primero con lo que se topan es una mujer sin ropa interior discutiendo con un sujeto con el cierre abierto en pleno almuerzo ante los demás miembros de la comuna!!! (que mejor presentación que esa) Es allí donde empieza esta “travesía” y “choque cultural” entre ambas clases e ideologías. Poco a poco van conociendo a los curiosos y “extraños” personajes (para ellos) que habitan en esa pequeña casa: Lena, Anna, Lasse, Tet, Signe, Klass, Erick y 2 niños producto de algunas uniones. Sumados todos son 13 habitantes que para asombro de sus vecinos comienzan a interactuar y a contagiarse uno del otro.

Primero Elisabeth y sus pequeños deben de adaptarse por ley a su nueva vivienda ya que están en condición de huéspedes. Aunque su hermano Göran los consiente y trata de darles facilidades a Elisabeth que comienza a agradarle el nuevo estilo de vida que observa. Deja de depilarse las axilas, comienza a ver y hace amistad con Anna una reciente lesbiana ex-pareja de Lasse. A lo largo de la convivencia se aprecian características hippies bien retratadas a mi parecer como amor libre, diversas tendencias sexuales, vegetarianismo y política entre otros. Poco a poco esto se va rompiendo a la vez que mas se compenetran estos grupos humanos. Compran una TV, piden salchichas, etc. y esto molesta a algunos miembros razones por las cuales se van Tet, Signe y su hijo, al igual que Erick.

La película resulta bastante cómica, entretenida, ágil y ligera. Todos los personajes están bien logrados. Cabe destacar uno que no logra unirse del todo a esa nueva vida. Se trata de Eva la hija de 13 años de Elisabeth. Ella no participa de los partidos de fútbol que juegan en el jardín, es huraña con todos excepto con Fredik el vecino. Ambos inician una amistad que podría ir a más, son parecidos, se entienden a la perfección y están ansiosos de nuevas experiencias en su pequeñas vidas.

“JUNTOS” retrata muy bien la sociedad hippie sueca de los 70’s, no es conceptual y trata lo político y social de manera fácil de digerir. Las situaciones son altamente jocosas en las que al final todos se dan cuenta que el amor permanece y a pesar de sus diferencias pueden vivir JUNTOS.

EL EDU

Trailer

http://www.youtube.com/watch?v=tD7Wv1q-S18

Made in Holland

Pocos son los directores holandeses que han traspasado fronteras, Anton Corbijn (director y videasta que ha trabajado con varias bandas, entre ellas Nirvana), el fallecido Theo van Gogh (descendiente del hermano del famoso pintor), Paul Verhoeven (conocido por dirigir Robocop y Bajos Instintos) y ahora Martin Koolhoven que ha dirigido en el 2006 'N BEETJE VERLIEFD (Una Familia Feliz).

El XX Festival de Cine Europeo organizado por la PUCP, nos trae esta película junto a otras del viejo continente, películas que más que seguro no se quedarán en nuestra cartelera (como suele ocurrir con suerte con algunas del Festival Latinoamericano, que logran estar un tiempo breve)

UNA FAMILIA FELIZ, es una comedia holandesa, que nos acerca a lo que es la comedia europea. Pero creo que Holanda tiene su sello personal. La película se trata de Thijs, un señor de edad que decide buscar una pareja. Él es un hombre algo tímido y medio indeciso, por lo que le costará lanzarse. Con éxito comienza a gozar de su nueva vida, hasta que Aafke, una de sus hijas lo descubre y avisa a su hermana Vonne. Ellas van a buscarle a su casa para hablar sobre el tema, ya que él tiene problemas cardíacos y creen que una nueva relación agitada podría traerle problemas. La relación entre las hijas celosas y Jackie, la nueva pareja, no es buena desde un inicio. Para esto hay que aumentarle las frustraciones personales de cada personaje. Thies fue desheredado, Aafke es una solterona sin éxito con los hombres, Vonne esta casada con Tarik, un marroquí con quien tiene un hijo llamado Omar, pero es ella quien lleva los pantalones en la familia, y por supuesto Omar el nieto engreído, bebedor, gilero y fumón, toda una joyita!

Esta disparatada familia nos enreda en todo el caos de que las hijas no quieren que Thies se case con Jackie y se vayan a vivir a EEUU, y Omar, el nieto, que para conquistar a la bella Meral, debe de enfrentarse al hermano de ésta en un combate de lucha turca.

UNA FAMILIA FELIZ refleja la multicultural sociedad holandesa, así como sus libertades. Su comedia es efectiva, pues se basa en las relaciones personales (cada personaje más hilarante que otro), problemas como el origen y raza, la edad y la falta de pareja salen a relucir en esta disparatada familia, pero feliz al fin y al cabo.

Un mate de risa!

El Festival de Cine Europeo dura hasta el 2 de noviembre, pueden revisar la programación en

http://blogs.elcomercio.com.pe/saldetucasa/2008/10/festival-de-cine-europeo-1.html

Les adjunto el trailer, lamento que no esté traducido, pero pueden darse una idea de la película

http://www.youtube.com/watch?v=0_kQ4WFqsQY

EL EDU

Batalhão Brasileiro

Es poco lo que sabemos sobre el cine brasileño, lo digo sobretodo por las sorpresas que suelen darnos (más que porque muchos de nosotros no somos fieles seguidores del cine de este país).

Hace unos días fui al Festival de Cine que comenzó el jueves pasado (7 de agosto). Inicialmente fui a ver la película LA MUJER SIN CABEZA (Argentina), cuando llegué me dijeron que las entradas se habían agotado hace 2 días! Todo indica que el FESTIVAL EL CINE de Lima (antes llamada ENCUENTRO LATINOAMERICANO DE CINE) ha conseguido más adeptos, ha ido creciendo y mejorando. Bueno, regresando al punto anterior. Me vi obligado a ver otra pela, y a esa hora la única que daban en la otra sala era TROPA DE ÉLITE, una película brasileña, que creo que no se esperaba mucho de ella, debido a que faltando 5 minutos aún habían entradas a comparación de la otra mencionada anteriormente.

TROPA DE ÉLITE (ganadora del Oso de Oro del Festival de Berlín de este año) es una película que sorprende. Es intensa, violenta y por momentos nos da un respiro con buen humor (pero es sólo para descansar de la tensión) Desde el principio nos muestra mucha acción, ¿cine brasileño de acción?, pues sí, aunque parezca raro, inicialmente da esa impresión. Disparos, gente, fiesta, criminales, policías, francotiradores y como no! droga.

El transcurso de la película es intensa, asfixiante por momentos. No recuerdo haber visto una pela tan fuerte, con una carga emocional impresionante y tanta crudeza. Si ha Tarantino se le acusaba de ser violento con Reservoir Dogs (1992) y Pulp Fiction (1994), pues al lado de Tropa de Élite éstas quedan como comedia negra. Ojo! No menosprecio el trabajo de Tarantino, uno de los mejores directores de los 90’s, simplemente hago un modesto análisis en cuanto a violencia visual se trata. Ahora no comparemos ser violenta, con ser sangrienta. No es una película gore. Es un drama policial fuerte con toques de acción, una película ágil y efectiva.

Al transcurrir los minutos la historia se nos es relatada en primera persona. El protagonista es Nacimiento, un capitán de la policía que integra un equipo especial de operaciones llamado BOPE (Brigada de Operaciones Policiales Especiales) en Río de Janeiro, conocido con un batallón impecable que todo lo puede, eficaz contra el crimen y la corrupción. Son reconocidos por todos por un tatuaje de una calavera atravesada por un cuchillo y dos pistolas cruzadas al fondo.

Dos policías hartos de la corrupción que hay dentro de la misma institución, al cruzarse en un operativo con miembros de la BOPE en una favela comandada por narcos, muestran su interés en postular. Luego de un cruel entrenamiento son aceptados. Ambos luchan no solo contra el crimen, sino contra su ambiente social y personal. La mentalidad de este batallón es ejercer la fuerza, torturando si es posible con tal de sacar información y llegar hasta las cabecillas de las favelas en Río (sus víctimas).

TROPA DE ÉLITE ha tenido una increíble acogida en Brasil y España (se ha convertido en la película brasileña más vista en su historia) ha tenido fuertes repercusiones en Brasil. Muchos han estado en contra de que muestre a la violencia como solución a ella misma. Los métodos eficientes del Grupo de Élite han sido duramente cuestionados.

Si bien CIUDAD DE DIOS, es una crónica de un fotógrafo sobre la difícil vida de las favelas, TROPA DE ÉLITE es más bien una confesión de lo difícil que es lidiar contra gente sin escrúpulos y su propia familia.

Brillante Wagner Moura en su papel como Nacimiento. La continuidad y las imágenes desgarradoras calculadas del director José Padilla hacen de esta película sin lugar a dudas una de las mejores películas brasileñas de los últimos años.

Al terminar la película los asistentes de la Sala Roja aplaudimos, una costumbre ya perdida, al ver los créditos. Público más que satisfecho.

VEÁNLA, IMPERDIBLE

http://www.youtube.com/watch?v=5viOxYqToAk

EL EDU

Les angles de Paris

París, la ciudad de la luz, la capital del amor, depende como se le mire… Eso es exactamente lo que han hecho los 21 directores que formaron parte del proyecto. "París, te amo" (Paris, je t'aime) no es la típica película romántica cursi que uno podría sospechar por el título o por la poca información que se podría tener de esta.

¿Que es entonces lo que encontramos en "París, te amo"? Pues algo tan evidente como el amor, sólo que en distintas formas. Podemos encontrar amor adolescente, atracción gay, pasando por el vampirismo romántico(¿?), el amor maternal, etc

Si bien el concepto es el mismo, las situaciones (inesperadas e irónicas), personajes (inmigrantes latinos y negros, franceses y algunos americanos) y ambientes (distritos de Francia) son distintos entre cada historia y hasta cierto punto contrastantes. Las historias más destacables a mi opinión son:

Le Marais de Gus Van Sant, trata sobre la atracción homosexual de un cliente (francés) hacia un joven trabajador (extranjero) en una imprenta.

Tuileries de los hermanos Coen, es probablemente una de las que más me agradó, muestra a un turista americano (Steve Buscemi) en el metro de París viendo a una pareja al otro lado de la estación sin saber que el contacto visual directo (a los ojos) tiene una connotación más que afectiva (obscena) y es golpeado por esta imprudencia.

Porte de Choisy del australiano Christopher Doyle, es sobre un vendedor de productos de belleza que va a vender al Barrio Chino, en el cual entra a una tienda (probable cliente potencial) custodiada por una japonesa artista marcial. Tiene pinceladas de comedia asiática y algunas muestras de golpes sacadas de videojuego.

Place des Victoires de Nobuhiro Suwa, corto surrealista en la que Juliette Binoche interpreta a una madre que ha perdido un hijo y una noche un vaquero le muestra como en un sueño el recuerdo de su hijo.

Tour Eiffel de Sylvain Chomet, básicamente gestual, un niño nos “muestra” la historia de sus padres mimos.

En Place des fètes del alemán Oliver Schmitz, un nigeriano sufre una apuñalada y es atendido por una paramédica de la cual se había enamorado a primera vista tiempo atrás. Él agonizando le invita a tomar un café y ella comienza a recordar que lo conocía.

Quartier de la Madeleine del canadiense Vincenzo Natalie, amor oscuro, chupadores de sangre y sed insaciable entre Elijah Wood y una vampiresa.

En Père-Lachaise de West Craven, una pareja comprometida visita el cementerio Père Lachaise, allí se dan cuenta de las debilidades en la relación, ella (Emily Mortimer) decide romper el noviazgo y a su prometido se le aparecerá el fantasma de Oscar Wilde, el escritor favorito de ella.

Faubourg Saint-Denis de Tom Tykwer, este corto nos entrega a Natalie Portman como una aspirante a actriz que se enamora de un ciego, que en un momento éste recibe una llamada de ella y piensa que todo ha terminado.

Nada mejor para finalizar con un poema en francés en la última historia 14e arrondissement de Alexander Payne.

Sin ser una película brillante, predomina las buenas historias sobre las regulares. "París, te amo", "Paris I love you" o "Paris, je t'aime" es una película descente y digna de verse.

Trailer http://www.youtube.com/watch?v=iH-WQ_THij0

EL EDU

I see dead people

Pronunciada por la vocecita de Haley Joel Osment, la frase del título es la más recordada de las nueve películas que tiene M. Night Shyamalan. Nueve películas con la misma fórmula, la de meter en la misma sopa suspenso, filosofía, hechos sobrenaturales. El director hindú es de los tipos que creen que la misma receta les va a funcionar cuantas veces quiera. Se cree el amo y señor del 'twist', que no es una sacudida del rock & roll, sino el recurso de dar un giro brutal en una trama llena de apariencias y donde el espectador onicófago extremis se pregunta qué vendrá después. Sabiendo de que lo acusan de abusar de esta técnica narrativa, la última cinta de Night: El fin de los tiempos (The Happening) carece de giro narrativo, más bien la razón de las catástrofes ocurridas en la cinta se conoce inmediatamente. Es más si tiene un 'twist', la verdad, pasa desapercibido, más bien lo último de este hombre es un tongue twister, o sea, un trabalenguas.

Plot & ¡Plop!

Los hechos empiezan en Central Park, donde la gente empieza a suicidarse sin asco. Los medios informan que se trata de una especie de gas terrorista que altera las funciones cerebrales de la gente para invitar su autodestrucción. El profesor de matemáticas Elliot Moore (Mark Wahlberg) huye de Philadelphia junto a su 'autista' esposa Alma Moore (Zooey Deschanel) y la pequeña Jess (Ashlyn Sanchez), encargada por un amigo que también huía, pero decidió regresar para buscar a su esposa. En el inicio del éxodo, el por qué de los suicidios les es revelado por un enfermito: Una toxina letal emanada por las plantas. Luego de correr, escapar, toparse con gente cada vez más loca, el trío sobrevive. Nada pasa, todo se calma. Elliot Moore vuelve a la felicidad con su mujer, con Jess, quien descubre que está embarazada. Eso sí, lo suyo solo fue una alerta divida, pues el verdadero diluvio comienza en Paris, punto en el que acaba esta admirable cinta. El no usar el 'twist' le salió por la culata y sin él, una película llena de tensión para un final abierto, parece que solo tuviera como fin justo eso tensionar y tensionar pero dar el golpe final. Y es que Shyamalan solo conoce un golpe, no sabe pelear, es un cobarde. Y así todo se va al tacho.

Queriendo dar humor, la cinta posee momentos de gran estupidez y todos ellos protagonizados por Alma, la esposa. Uno de los más idiotas es cuando en plena huida y ante la inminencia de la muerte, Alma le confiesa a su esposo que le mintió: La gran mentira se trata de haber comido un postre junto con un tipo llamado Joey y nada más. Pero el premio a la tontería se la lleva una escena en la que uno de los suicidas se mete a la jaula de unos leones hembra y les pasa la voz para que por favor lo maten. Las fieras le quitan un brazo y el tipo no contento con eso ofrece el otro. Un éxito.

Esperamos que alguna pandemia suicida lleve a M. Night Shyamalan a matarse. No pedimos su muerte física (Para darle de su propia medicina, quizá el moriría introduciendo su cuerpo entre los rollos de una proyectora, qué se yo), sino su pronto deceso como escritor de guiones.

C.R

¿Quién dijo que el animé no es cine?

Acaba de llegar a nuestro país la versión en DVD 'Rebuild of Evangelion: 1.0 You are (not) alone' -la verdad que esto suena como si hubiese llegado a las principales tiendas de videos del Perú, pero en realidad se ha 'colado' en los tugurios donde el animé es himno nacional-. Para algunos la cinta sonará a nada, pero lo cierto que es una reconstrucción de la serie más endiosada -y a veces odiada, pero con respeto- de toda la historia de la animación japonesa: Evangelion. Esta serie revolucionó a Japón en 1995. En el 97, en el Perú, los fanáticos del animé recién salían del closet y se supo de Evangelion un año después, y eso que se trataba de solo reseñas de la serie en revistas especializadas. Eso sí, algunos fanáticos por aquellos años tuvieron el privilegio de ver Evangelion en cine y no en TV. Yo fui uno de ellos.

El argumento básico para ubicarlo en los segmentos del animé es el siguiente: Género 'Mecha', un niño pilotea un robot para salvar el mundo. La trama para causar polémica fue la siguiente: Ángeles enviados por Dios 'atacan' la tierra. (Ese atacan, en la serie es una especie de versión oficial de los hechos, pero al final, como siempre, se descubre que el hombre es el lobo del hombre). Los ángeles que vienen a la tierra son amorfos. El primero se parece a los Cubiles de Popeye, otro es un cubo, hay un anillo, una mancha, son los dibujos de un niño de primaria. Los ángeles parecen una joda. Para vencerlos hay que darles en un 'núcleo', una especie de corazón. Los humanos -la ONU está metido en esto- usan los restos del primer ángel venido a la tierra para combatir la llegada de los demás, arribo conocido gracias a los manuscritos del Mar Muerto. Entonces los robots que usamos para pelear contra los ángeles son en realidad mitad ángel, pero ponerle el lado jocoso y burlarse de las baterías o las cargas de celulares, estos solo funcionan con un cable a manera de manguera de grifo. Porque la serie es una joda. Esta hecha, al inicio para reír. Para entretener pero entonces el televidente se percata de algo: Este animé tiene un lenguaje cinematográfico propio. Y eso, señores, pocas películas, es decir, pocos directores, lo consiguen.

Apocalipsis, how?
El animé parece tener un plano muy característico: Cuando aparece un personaje nuevo, lo muestra desde los pies hasta la cabeza. La verdad que ese movimiento no es propio del animé y me arriesgaría de decir que viene del Spaghetti Western, donde cuando aparecía el temible Franco Nero en cualesquiera de sus papeles de vaquero homérico, la cámara iba desde sus botas puntiagudas hasta su cara sin afeitar y con sombrero. Los héroes del animé son de esa índole. Son vaqueros, son lobos solitarios, son los que llegan y rescatan. Los japoneses hacen un buen cine porque son recíprocos. Osamu Tezuka, el padre del manga (historieta), tomó elementos cinematográficos para hacer cómic. Luego el animé tomó elementos del manga para mejorar. El animé es tan respetuoso con sus dibujantes que cuando adaptan una historieta, no es en sí una adaptación, es la versión fiel del manga. Entonces los planos obtienen otra dimesión. Oliver, de Supercampeones, recorre un cancha eterna de fútbol mientras rememora, arma la jugada, y cuando va a hacer una chalaca el tiempo se detiene con él. Cuando alguien es derrotado por una espada, su caída demora minutos. Los hacedores de la trilogía de Matrix lo entendieron y aplicaron esas técnicas. Pero ese lenguaje no es del que hablo. El lenguaje de Evangelion es otro. Y con este se cerró un cíclo y empezó otro.


El verdadero argumento de Eva no es la violencia ni Dios ni los robots. Su director Hideaki Anno dijo cuando terminó la serie y las películas que Eva hablaba de una sola cosa: El corazón de las personas. Los personajes de Eva tienen perfiles sicológicos bien cincelados. La soledad los mata. El personaje principal no se lleva bien con su padre, es tímido y se cierra cuando ve que las personas le van a hacer daño. Una amiga adulta lo quiere sacar de su estado antisocial, pero la llegada de su ex novio le hace ver que aborrece a los hombres, que todos son el reflejo de su padre, y entonces también cierra su corazón. Cada vez que hay algo donde los personajes se abren con los demás es un peligro. Los ángeles parecen una metáfora de este sentimiento. Si llegas a su núcleo ya están derrotados, cuando los personajes pierden su intimidad también se sienten vencidos. Incluso uno de los ángeles ataca sicológicamente a una de las protagonistas, invade sus recuerdos y ella le grita desesperada: No veas en mi corazón. Para toda esta soledad del alma se creó un lenguaje y eso es aplaudible.

La acción en Evangelion es poca pero excitante, te quitan el respiro. Pero la mayor parte de serie hay planos solo para los personajes. Los segundos en Evangelion se pueden pasar viendo a un personaje aburrido mirando a la ventana. Los personajes de Evangelion piensan mucho. La tina, la cama, una ventana, un parque, el autobús -disculpen la idiosincrasia, quise decir tren-, son los lugares donde los personajes -como una verdadera persona- se enfrenta a su soledad. Escuchar música en audífonos los abstrae. Hay planos radicales donde los personajes hablan pero se hacen paneos lentos de paredes, caños, retretes. Cuando una pareja hace el amor lo único que se ve es un cigarro consumiéndose poco a poco en un cenicero. En la película el personaje principal se masturba con el cuerpo desnudo de su compañera y no se ve. Durante el acto la 'cámara' recorre el cuarto donde ocurren los hechos, se detiene en la puerta cerrada mientras se escuchan pequeños ruidos de placer del onanista.

Hay planos rápidos. Duran dos segundos: la reacción frente a una explosión, la toma de una cerveza, la absorción cómica de unos fideos. Entiendan: las acciones que deberían durar más duran poco y el parpadeo, el cambio de luz de un semáforo, el andar de las escaleras eléctricas son mostradas con el único fin de que el televidente sí entre a los corazones de los personajes. Y eso señores se llama lenguaje propio. Y por eso, animés de la clase de Evangelion son cine.

C.R

Nuevas Luces

Aún no tengo un adjetivo para calificar la última película que vi hace una semana, pero por el momento podría decir que “LUZ SILENCIOSA” (STELLET LICHT) del director mexicano Carlos Reygadas es una película inusual, sobretodo para lo que ha mostrado el cine mexicano desde hace un buen tiempo, a excepciones claro está de Alejandro González Iñárritu, Guillermo del Toro y el joven Fernando Eimbcke.

Pero para los que no sabíamos… ¿quién es Reygadas? Pues, Carlos Reygadas es un director de cine con 3 películas hasta el momento: Japón (2002), Batalla en el cielo (2005) y la más reciente Stellet Licht (2007). Esta última ha participado recientemente en el festival de Cannes 2007 y ganó el Premio del Jurado. Acá en el Festival EL CINE de Lima participó el año pasado ganando 3 trofeos: Premio del Jurado a Mejor Película de Ficción, Premio de la Crítica Internacional a Mejor Película, y el Premio del Jurado a Mejor Fotografía.

Y ¿a que se debe tanto premio? No tengo interés de alabar esta pela, pero sí debo reconocer que es mucho mejor que los filmes que México ha dado. Reygadas demuestra ser osado en hacer una propuesta novedosa como Luz Silenciosa.

¿Pero, que hay en Luz Silenciosa? Se trata de una comunidad alemana-holandesa que vive en el Norte de México, es una familia muy arraigada a sus creencias religiosas, y el padre de familia se ve envuelto en un dilema entre su mujer o su amante (ambas sabiendo la existencia de “la otra”), a esto hay que añadirle la creencia del maligno, el pecado, el remordimiento que siente él y el papel de la mujer siempre dependiente y con mucho afecto a su marido. Sin embargo aunque el tema parece algo sencillo, la realización y el lenguaje simbólico es lo interesante en esta pela. Planos largos, silencio, la ausencia de música de fondo son algunas de las características que encontramos en esta película. Por momentos sus planos solo nos quieren relatar lo cotidiano en la vida de esa familia, sin un añadido de tensión. Pero en algún momento logra llegar, ¿los elementos? una carretera, lluvia y una muerte y de pronto SILENCIO, todo termina... inconcluso... la gente en la sala comenta, hasta que la antagonista da una LUZ inesperada, en esa oscuridad tanto así como Reygadas lo hace con el cine mexicano actual.

La fotografía me parece estupenda, el magnífico final resume bien la película, claro en su sentido más conceptual. Vale la pena ver Luz Silenciosa de Reygadas, que nos aproxima a una nueva mirada del cine mexicano.

Trailer http://www.youtube.com/watch?v=wucSUFLthY8&feature=related

EL EDU

Cartelera Ausente

Hace un par de meses que no voy al cine, no sé si considerarlo pecado para alguien que se considera un cinéfilo. Se considera pero, ¿quién sabe si lo es? Mmm tal vez allí esté el problema, o tal vez sea más trágico y menos culpabilidad la que tenga la persona que no tiene mucho que elegir hoy en día en una cartelera como la nuestra.
Para hacer una pequeña confesión, siempre trato de ver películas “inusuales” (creo que no es el término correcto). Me refiero a películas independientes o de otros lares que no sea HOLLYWOOD. Busco películas de género, de autor, con una trama intensa o meramente experimental, a veces con alteraciones del orden o con tomas y encuadres “ilógicos” pero a consciencia.
Las veces que más voy al cine son en 2 épocas puntuales, las primeras semanas de agosto cuando comienza el Festival EL CINE (antes Encuentro Latinoamericano de Cine) y para el FESTIVAL EUROPEO DE CINE en noviembre, ambos Festivales organizados por la PUCP. De vez en cuando me escapo a los cine clubes a ver homenajes de grandes directores como Bergamn, Hitchcock, Ford Coppola, Kubrick, etc.
Fuera de eso, es poco el cine comercial que me interesa o mejor dicho algunas producciones independientes que llegan (de casuela) a nuestra cartelera despierta mi interés. Me canso de tan solo ver en los paneles grandes dentro del cine las películas de siempre, la misma tónica, la misma lógica, secuelas, hartas secuelas, una peor que la otra. ¿Lo que estuvo de moda hace unos años?…. Pues hacer remakes, comenzando por películas clásicas del horror japonés (muy respetables éstas) y otras tantas.
Una solución que le doy a mi falta de asistencia al cine, es comprar películas en DVD, ¿dónde? En Polvos Azules obvio. Sí es cierto al igual que muchos compro piratería por dos razones: primero por apasionado del cine, y luego por obligación, la diferencia de precios es enorme.
Considero en mi jato un buen refugio para ver pelas, por más que las vea una y otra vez, es interesante descubrir que viendo la misma película uno la puede disfrutar y valorarla más. Y, ¿mi decisión para comprar DVD’s? Pues, eligo las películas de directores con los que simpatizo o ganadoras de festivales respetables como Cannes también conversando con amigos adictos al cine (a estas alturas ni entiendo la diferencias de cinéfilo, apasionado al cine, adicto al cine) me recomiendan e intercambiamos pelas.
Deseo y me propongo en este blog darles a parte de críticas, opciones nuevas sobre películas que se están haciendo en el mundo y poder compartir un espacio con ustedes. Bueno ya que se viene el Festival de Cannes en mayo, estaré revisando que pelas interesantes se mostraran y tratare de conseguirme algunas.

EL EDU

Suit Nº 1. Sala 5. Sin intermezzo

Pongo una imagen de Scarlett Johansson porque no me gusta Woody Allen. La pongo, también, para llamar la atención y que sigan leyendo. Está ahí, porque abrir un blog de cine con la imagen de un proyector, un rollo de película o cualquier otro elemento que evoque la palabra cine sería algo predecible. La imagen ilegal de la Johansson está allí porque toda creación empieza con una mujer. Algunos -griegos culpables-, la querrán llamar musa. Pero, para ser bien nacional, prefiero que ella sea la madrina. No la hada, pero tampoco nada. Miren. Todas las excusas que se puede inventar uno para justificar el capricho de colocar una imagen fuera de lugar. Para justificar la existencia de un blog más en la red. Me presento. Soy el que escribe. De niño sufría de ataques de pánico. El ecran, lo juro, me daba miedo. Hasta ahora recuerdo aquella vez en que salí de la funció de Jurassic Park porque no distinguí la línea que separa la ficción de la realidad. Recuerdo que me descubrí miope en una sala de cine. Recuerdo las peleas con el grupo de turno por la elección entre 'doblado' y 'subtitulado'. Porque yo subtítulos, la voz original, la opción por un lugar en el que sabes no entrarán niños porque les da flojera mental leer, porque están en la etapa de estimular la oreja (y la vista).

Quiero, queremos, escribir sobre cine por la misma razón que existen las adaptaciones de novelas. Escribimos sobre cine por que los miembros de este blog tiene una computadora en su casa y cada casa tiene otra computadora. Escribimos porque no hay revista especializada que nos acepte. Hablaremos de cine porque nos gusta el cine. Y ahora, recién me doy cuenta, ya sé la verdera razón por la que Scarlett se infiltró en esta página. Porque de cine serio, acá. pero tampoco caeremos en la huachafada de comentar una película de Nueva Zelandia para darnos aires de críticos de nivel. 3...2...1...

C.R